"¿POR QUÉ LAS MUJERES SIEMPRE QUEREMOS MAS? "
Por Alfonso Pujol
Nos enfrentamos ante un “sexo en nueva york” afrancesado y con menos sexo por supuesto. Esta comedia francesa se nos presenta ágil y vivaz, llena de diálogos rápidos y eficaces. Puede parecer una película “de chicas” para chicas pero no. Esconde una trama sincera que habla sin tapujos de las relaciones humanas, de cómo pasa la vida, de cómo uno comienza una relación y no sabe dónde desmbocará. Habla de todos esos problemas que surgen cuando uno tiene pareja. Nos hace plantearnos: ¿de veras he de tener pareja? Y nos muestra la otra cara de la moneda: las desavenencias de no tener pareja, la soledad y todo lo que ello conlleva.

A destacar el trabajo de las tres actrices protagonistas, creíbles desde el primer plano de película. No se da protagonismo a una más que a otra. Las tres han recibido un guión estupendo y bien llevado sacando el máximo partido de ello.

A veces aparece el típico histrionismo típico de la comedia francesa, pero aquí es eficaz pues va acompañado de frases ingeniosas que dicen verdades como puños sin ofender a nadie, yendo directamente al asunto.

Se agradece este tipo de comedias costumbristas de vez en cuando. Y aunque a simple vista pueda parecer una comedia al uso, no nos equivoquemos, pues nos muestra situaciones dolorosas.

Si, es cierto, a veces peca de un exceso de sentimentalismo mostrándonos a las amigas unidas contra el mundo viril. Pero enseguida se aplasta este sentimentalismo cuando entre ellas comienzan a discutir y decirse las verdades. Comienzan guardando el orgullo unas ante las otras pero cuando sus vidas se desmoronan no andan en remilgos de contarse entre ellas sus desdichas, con las consiguientes críticas y disputas entre ellas.

Como conclusión, decir que aunque a veces flojea, son muchos los buenos momentos que ofrece la película y ha superado con creces las pocas expectativas que había depositado en ella. Por tanto, muy recomendable si buscan una mezcla de Woody Allen y Sexo en Nueva York.

"11:14 DESTINO FATAL"
Por Alfonso Pujol
Nos encontramos ante un film curioso. Mitad drama situacional estilo "Vidas cruzadas", mitad "dark comedy", se nos presenta este film en el que destaca sobre todo la plantilla de actores, todos estupendos. La experiencia es la de visionar un conjunto de "cortos" interesantes cada uno en sí mismos, que se entrelazan entre sí formando un todo también muy interesante. El ritmo y el suspense también son bien llevados a lo largo de todo el metraje. La incóngnita de saber "por qué esto" y "por qué lo otro" te mantiene en vilo hasta el final de la pelicula. Pero ya digo, lo interesante del film no es el hecho de la conexión de las historias, si no, las historias en sí. La mayoría son una serie de circunstancias curiosas e inverosímiles que suceden a gente corriente, de un pueblo corriente en una noche corriente. Y como todo es tan corriente, cuando uno comienza a ver cómo todo se desmorona y suceden sucesos aterradores sin más, un escalofrío le recorre el cuerpo, como cuando uno se da cuenta que a la más mínima te puede suceder algo que cambie tu vida. Pero claro, al fin y al cabo son pélículas, pero como siempre cabe la duda de que algo así te suceda, es entonces cuando el film pasa de comedia negra al género del terror. A resaltar Hilary Swank sacando una bis cómica muy acertada, la escena con ella en la tienda 24 horas, los tres adolescentes en la furgoneta y la "lolita" hija de Patrick Swayze. Un buen film para pasar un buen rato pensando y entretenido. Ojalá se estrenasen peliculas tan estimulantes y entretenidas como ésta todas las semanas.

"ALGO EN COMÚN "
Por Alfonso Pujol
Todos alguna vez en la vida nos hemos sentido desorientados, como si una nube negra muy negra tapase nuestros ojos y nos restase visión para ver más allá. Hasta que algo nos amplia la visión por completo. Y ese algo no ha de ser grande ya que lo más ínfimo puede hacernos despertar del mal sueño que estamos viviendo. Así se sienten los protagonistas de este pequeño gran film. Son almas que tienen en común el hecho de encontrarse perdidas en medio de ninguna parte. Y no solo se asemejan en esto, también en que despiertan de ese estado comatoso a la vez.

Esta película, al estilo de “Beautiful girls” y de la genial “Alta fidelidad” pronto se convertirá en un hito generacional. Ya he perdido la cuenta entre generaciones X, Y y toda esa nomenclatura creada por algún jefe de márketing a principios y finales de la pasada década. Quizás sea la película de referencia de la generación Z, no se.

Diálogos sencillos pero profundos, naturales pero trabajados, acompañados de una estupenda banda sonora crean un par de horas de película para disfrutar, empaparte de todos los mágicos momentos que nos muestra y pensar, pero pensar sin agobios, pues a veces el film se hace tan cercano que si uno se mete dentro, muy dentro, puede llegar a caer en un abismo bastante profundo.

Los personajes nos hablan de qué hacer para ser diferentes, de cómo encontrar la belleza en un mundo en el que todo está inventado y no queda nada realmente puro. Los mismos personajes intentan buscar su camino como pueden, salir de sus miedos, evadirse. Unos lo hacen coleccionando vanalidades que en el futuro pueden ser compradas por un frikie y pagar una fortuna, otros intentado poner muecas nunca antes puestas, otros creando belcro sin ruido, etc.

Un diez para Natalie Portman, todo ternura y sensibilidad, con ese toque de locura cercana a la realidad, toda esa pasión intestinal que a veces nos aflora a todos. Ella lo muestra verdaderamente bien. Y su naturalidad se fusiona con los momentos realmente raros del film, de situaciones que a primera vista pueden parecer inverosímiles pero que si uno lo piensa bien caerá en la cuenta de que pueden darse, puede ocurrir y eso es lo realmente alucinante de la película, que es extraña y cercana a la vez.

La cinta también habla de cambios personales, de esos cambios que todos tememos pero que a la vez anhelamos, del inevitable paso de la vida. Dicen que cuando uno tiene veinte y pocos años sucede un fenómeno metafísico a tu alrededor, dicen que “saturno vuelve sobre ti” y que se produce un cambio drástico en tu vida que todo lo cambia. Un día te despiertas y lo comprendes todo, todo lo que hasta entonces no tenía sentido se abre ante tus ojos con una certeza tan obvia que te asusta pero a la vez te tranquiliza. No se si esto le pasa a todo el mundo, pero puedo decir que a mis 22 años algo me está pasando. Y por ello me siento tan identificado con el film. Sales de la sala con unas ganas increíbles de vivir, de comerte el mundo. Y aunque luego todas esas ganas se desvanezcan, esos momentos de paz no te los quita nadie.

La película da al espectador la esperanza de que algún día se abran sus pupilas y deje de estar ciego. Esos diálogos (exceptuando una regular escena en una fiesta), esas actuaciones, esa banda sonora y ese guión, crean un todo impagable, más que nada por lo que logra transmitir. Al menos a mí me ha transmitido muchas cosas. Y creo que ....poco a a poco voy recuperando la visión. Puede que no hayan entendido nada de lo que he escrito, pero por una vez me da igual, pues yo me entiendo. Vean la película solo por curiosidad.

"CREEP"
Por Alfonso Pujol
Todos aquellos para los que el uso del metro, tren o tranvía forma parte de su vida diario, como es mi caso cuando lo uso todas las semanas pera ver a alguien muy especial, no permanecerán impasibles frente a este enigmático y atractivo film. Tras un comienzo inquietante comienza una segunda parte con buenos momentos pero que no llega a la altura de la primera hora de película. La ambientación creada en la primera hora de metraje es sencillamente escalofriante, con un uso de la cámara, de las luces y de los colores muy bueno. Esos interminables pasillos blancos del metro, las inquietantes escaleras mecánicas, la oscuridad sin fondo de los raíles...forman un conjunto tan cotidiano como aterrador.

Franka Potente ya me llamó la atención en la rareza de culto “Corre Lola, corre”. Ahora vuelve a demostrar sus dotes de heroína y su fuerza interpretativa. Pero por favor, que alguien contrate a esta chica para algo más que para correr y sufrir, pues talento no le falta. Aquí, Potente se convierte en la pieza de un juego malévolo que esconde una parábola con moraleja final incluida sobre las distancias que separan el mundo exterior y el mundo “underground”, sobre la delgada línea que divide el mundo materialista del mundo humilde. Con ella Armani y Gucci se convierten en fuerza superviviente y en puro terror, y es que cuando entra en juego la vida de uno no hay remilgos que valgan (no hay nada más terrorífico que sumergirse en las profundidades de uno mismo).
El conjunto falla cuando a la mitad del metraje, el terror psicológico de la primera parte se hace obvio, se personaliza, y es entonces cuando pierde fuerza. No es que no se encuentren escenas resaltables en esta parte pero sí existen escenas del todo evitables, como una salvajada del todo innecesaria que no voy a revelar. Además, no se da una explicación muy clara de todo lo que acontece y uno se quedaría algo frío al finalizar la película si no fuera por una chocante escena final que hace que nos replanteemos todo el conjunto, el verdadero significado de la película mas allá de intentar comprender todos los movimientos del director.

En fin, “Creep” es un film interesante, revelador y que sin duda, aunque no sea esa su pretensión, ofrece unas imágenes tan cuidadas y unos planos y movimientos de cámara tan eficaces que pueden permanecer en la retina del espectador durante mucho tiempo.

Estamos ante un film, que con todos sus fallos, posee más pretensiones de las que aparenta.

"SAW"
Por Alfonso Pujol
Es inevitable la comparación con la atmosférica y envolvente “Seven” en cuanto a tema y ambiente conseguido. Pero “Saw” ofrece muchas mas brutalidad, altos niveles de tensión y angustia que la famosa cinta citada. El descaro con que el director nos habla de los diversos macabros juegos del lunático protagonista es lo más resaltable del film. Solamente una mente retorcida podría plantear esos retos macabros a los que el “asesino” (que no lo es tanto) somete a sus víctimas. Se logra transmitir eficazmente esa angustia por la que pasa cada pobre alma que cae en manos del psico-killer en cuestión.
La película comienza desconcertando por completo al espectador y poco a poco va desgranando misterios y nos va haciendo encajar piezas. Pero al final da otro giro y vuelve a sorprendernos cuando creemos que ya todo está resuelto, cuando en nuestra mente ya está todo claro. Es un último giro final sorprendente y bastante bien llevado, sin incongruencias.
Quizás al comienzo se eche en falta mayor número de planos de la pareja protagonista, pues la historia pasa a describir las anteriores atrocidades del psicópata dejando un poco de lado la trama del principio y eso descoloca bastante ya que el comienzo es lo suficientemente sugestivo como para querer seguir ahí. Pero luego vuelve sobre esa trama y lo hace de un modo desquiciantemente genial con un ritmo atronador y unas interpretaciones muy muy intensas por parte de los dos protagonistas.

El director va mezclando elementos del género de terror con el thriller y ese mix logra dar un ritmo a la película muy peculiar. A veces el guión puede parecer algo caprichoso y la música y la cámara pueden resultar manipuladores y es que en efecto lo son. Y hay que reconocer que aunque lo sean, sirven de apoyo a la sorprendente trama preparada.

Saw es un ejercicio de cine de acción contundente. No se anda con rodeos y nos muestra escenas, tensas, sangrientas, oscuras y deliciosamente endiabladas sin darnos tregua. Juntemos la cargada atmósfera de “Seven”, el ingenio de Hannibal Lecter, y unos planos al estilo “El sexto sentido” y tendremos como resultado este entretenido film dedicado a todos aquellos masoquistas como yo que de vez en cuando les gusta pasarlo realmente mal en la butaca del cine.

"ENTRE COPAS"
Por Alfonso Pujol

Alexander Payne retrata de un modo inusual y personal a dos perdedores que, aunque con modos diferentes de ver la vida (uno es un tímido y neurótico profesor de literatura fracasado en su intento de hacer una buena novela y en su matrimonio y el otro es un gigoló pasado de moda ex-actor de telenovelas y actual actor de anuncios televisivos), buscan esas mismas respuestas existenciales que todos buscamos. Ambos desean saber a dónde les lleva la vida, qué sentido tiene ésta después de tantas rupturas amorosas y fracasos profesionales. Ambos están desesperados pero aún mantienen esa esperanza que hace que todos los seres humanos sigamos vivos, esos sueños que nunca dejamos de mantener en nuestras cabezas pues son los que nos hacen vivir, por lo que vivimos.

Ambos, Miles (Paul Giamatti) y Jack (Thomas Haden Church), emprenden un viaje por una ruta vinícola californiana para celebrar el fin de la soltería del segundo, con diferentes propósitos, uno más espiritual y el otro más canallesco. En este viaje ambos encontraran un alma gemela, en el caso de Jack, el actor, una sexoadicta y soltera madre de una hija y en el caso de Miles, una preciosa camarera experta en vinos, como él. Los momentos más divertidos nos lo ofrece Jack y los momentos mas sentimentales, Miles, pero esto no es del todo cierto, pues si en un principio Miles puede parecer el gran perdedor del dúo, Jack al final se descubre como un perdedor de la talla de su amigo Miles.

Dos estupendas, Virginia Madsen y Sandra Oh (mujer del director) son las compañeras de viaje de estos dos anti-héroes. Por un lado Madsen representa el ideal de compañera para Miles ya que es dulce, atenta, es conocedora de vinos, es inteligente y posee ese halo de misterio que tanto anhela en una pareja. Por otro lado Sandra Oh es justo lo que busca Jack, un poco de diversión, hasta que Sandra se da cuenta de ello y es en ese momento cuando Jack cambia por completo a simple vista y decide cambiar su estilo de vida. Pero ya digo, eso es solo en ese momento, pues enseguida volverá a las andadas y siempre estará allí su amigo Miles aguantando con toda la paciencia del mundo los continuos problemas de su amigo Jack.

A destacar el mágico momento en que Madsen y Giamatti (Miles) conversan con la brisa nocturna californiana en el porsche de la casa de Sandra Oh acompañándoles dos copas de vino, elementp clave del film que usa el director para comenzar cada punzante diálogo. Un diálogo perfecto y lleno de matices hace que surja la química entre los dos actores y que cada palabra que sale de sus bocas choque en el espectador como bombas llenas de realidad, realidad enmascarada por las perspicaces palabaras de Madsen sobre la vida, el amor, los fracasos y...el vino.

En fin, “Entre Copas” es una de esas comedias “con seso” surgidas del panorama independiente americano que tan buenos films nos ofrece últimamente. Posee un guión a primera vista simple pero que esconde un sinfín de temas y hace pensar al espectador además de reír. Y cuando una película te hace pensar y reír a la vez, se agradece. Un film pequeño y grande a la vez, algo contradictorio en sí mismo. Y ojalá se diesen más contradicciones de éstas en el cine actual.

"RAY"
Por Alfonso Pujol

Realmente esta película hará las delicias de los fanáticos de Ray Charles y no solamente a ellos ya que también calará a todos los espectadores sensibles y amantes de la música y de la vida. Sí, de la vida, pues de ella trataban las canciones de Charles, tanto si cantaba country como si cantaba soul o gospel. Y esta película es realmente una lección de vida, de la vida de un genio que hizo vibrar a miles de personas en todo el mundo con su música pasional, sus notas imposibles al piano, su voz desgarrada y el ritmo atronador y provocativamente sensual que lograba desprender de sus canciones.

El film es verdaderamente completo ya que nos muestra las dos caras del cantante, desde su trayectoria musical, sus duros comienzos, sus cambios de discográficas, de mánagers, asi como su trayectoria vital, todo lo que el público no veía, todo lo que sucedía en el “backstage”. Unos secundarios de lujo evitan que no caiga todo el protagonismo sobre el genial Foxx. Desde la madre de Ray hasta sus amantes, pasando por sus mánagers, todos ofrecen interpretaciones estupendas que reflejan una época, una etapa de revolución músical, el entorno más cercano a Ray. Pero quizás la persona que más marcó a Ray fuera su madre. A esa etapa pertenecen a mi parecer las escenas más hermosas de la película, escenas llenas de poesía y de diálogos punzantes que se clavan en la mente del espectador más avispado taladrando en ella hasta hacerse un hueco importante. Y el resto del film tampoco está falto de momentos inspirados como las discusiones de Ray con sus amantes, escenas llenas de fuerza musical y dramática, asi como todos los episodios en que Ray trata con su fiel esposa.

Hackford ha evitado hacer el típico biópic ensalzador del personaje principal y ha preferido mostrar todos los puntos débiles de Charles, sus infidelidades, sus problemas con las drogas, su egoísmo constante, etc. Realmente Jaime Foxx logra transmitir esos sentimientos de rabia por su ceguera, de su locura debida a su pasión musical, etc. Y más allá de su feroz caracterización de los tics y modos de Charles, dota a su personaje de una profundidad increíblemente deliciosa.

Si bien es cierto que el film adolece de ciertos puntos flojos, quizás demasiado edulcorados, con un sabor al antiguo Hollywood. Pero ello no ha de ser malo, si no todo lo contrario, ya que proporciona unos segundos lacrimosos y melancólicos que dan tregüa al espectador tras los momentos más amargos del metraje. Es cierto que se echa en falta un mayor riesgo en el tratamiento de algunos temas como los problemas de Charles con la comunidad religiosa al combinar gospel con soul, tema por el que pasa de puntillas, asi como en temas como la discriminación racial en el que también podía haber llegado más a fondo. Pero es de reconocer que la compleja vida de Ray da para mucho, para muchos temas y es todo un hito el hacer una película tan completa y tan sentida en tan solo 152 minutos.

"DESCUBRIENDO NUNCA JAMÁS "
Por Alfonso Pujol

Se ha dicho que el director Marc Forster escogió a Depp para encarnar al escritor James Matthew Barrie por su aspecto de niño atrapado en un cuerpo de adulto, y realmente Depp es idóneo para el papel y durante la primera media hora de la película su interpretación es apabullante y natural pero avanza hacia un peligroso esquematismo hacia el final del film. "Finding neverland" está llena de momentos verdaderamente inspirados como las tardes con las preciosas y coloristas tardes con la familia que inspiraría su mas aclamada obra. Sin duda las imágenes y los diálogos desprenden magia por todos lados pero pinchan cuando intentan deslumbrar más de lo debido y es entonces cuando se deja ver muy poco naturalidad y mucho artificio en ellos, ofreciendo al final unos diálogos un tanto forzados. No ocurre así cuando aparece en escena Radha Mitchell dando vida a la mujer del escritor. Ella es la encargada de hacer volver a Barrie al mundo real pero no obtiene éxito en su propósito. Es curioso ver cómo este personaje da momentos llenos de belleza en los diálogos, directos, precisos y no por ello simples. Quizás se hecha en falta una mayor atención y mayor metraje dedicado al proceso de creación de Barrie fijándose en su musa: la familia Davies, pues realmente se hubiesen sacado momentos muy estimulantes ya que realmente los momentos en los que se retrata el proceso creativo son pocos en la película. Por otro lado, Kate Winslet, tan física como siempre, se muestra muy carnal y está bastante correcta en su limitado y corto papel (otro punto flojo del film). Algun diálogo de más entre Depp y Winslet hubiera sido la guinda que falta en este delicioso pero austero ejercicio de sentimentalismo literario. Bazas a su favor son el pasar de largo de mórbido tema de la supuesta pedofilia de Barrie y algunos diálogos brillantes al comienzo de la pelicula y en todos los momentos en los que Radha aparece en escena. En suma, nos encontramos ante un delicioso film con momentos acertados pero que peca de una muy corta duración y de falta de profundidad en su personaje principal: James Barrie, profundidad en su personalidad y en su mente creativa. La película podría haber sido mucho más oscura si se hubiera metido de lleno en los traumas y obsesiones del autor en cuestión. Pero aún teniendo ese tono acaramelado, no llega a empachar del todo y así todos contentos. Aunque uno sale de la sala con ganas de más escenas, de más profundidad, un gusto dulce se le queda, que no es poco.

"DESPUÉS DE MEDIANOCHE"
Por Alfonso Pujol

El director italiano David Ferrairo nos invita a toda
una declaración de amor hacia el cine. Las imágenes de
los clásicos de los hermanos Lumière, guiños
constantes a Buster Keaton (representado en el
personaje de Martino) o documentales del Turin de
comienzos del siglo XX, aparecen intercalados entre
imágenes actuales. Tres jóvenes buscan su sitio en la
vida. Sus ocupaciones son de lo más variopintas: una
camarera de un "fast food", un ladrón de coches, y el
tercero un solitario vigilante del Museo del Cine de
Turín.

Las vidas de estos tres jóvenes se ve alterada ante
una decisión, la decisión que ha de tomar la chica
protagonista de comenzar una relación con el
enigmático vigilante, llamado Martino o seguir una
vida de situaciones excitantes con el alocado ladrón
de coches. Es aquí cuando aparece el tema clásico del
amor en el cine, la chica que ha de decidir entre el
Buster "perdedor" keaton o entre el prepotente
latin-lover.Ella adora el cine pero también busca
emociones fuertes y cada uno de sus pretendientes le
ofrece una cosa. El retrato de este triángulo se
agiliza intercalando fotogramas cinéfilos y usando una
cámara y diálogos al estilo "trainspotting".

Resulta curioso cómo el desenlace del film sorprende
pues hace ya tiempo que no se contemplan desenlaces al estilo tradicional. Y es ahí donde el director nos
muestra que los temas no cambian en el cine, los temas
siempre son los mismos, pero acudimos al cine con la
esperanza de encontrar matices diferentes sobre el
mismo tema en cada nuevo film. Podría hacerse un símil
entre el cine y las relaciones humanas. En sí, todas
las relaciones de amor son igual de tortuosas y
hermosas a la vez, pero cada una de ellas esconde
matices que las diferencian unas de otras.

El mensaje final puede interpretarse así. Igual que el
amor, el cine nunca muere, nunca morirá aunque los
temas sean siempre los mismos. Cada director de cine
aporta su toque personal a su preciada pelicula, igual
que cada persona da un sentido diferente a sus
relaciones amorosas. Al igual que la humanidad nunca
dejara de buscar nuevos matices en el amor, el cine
nunca dejará de sorprendernos.

"EL FANTASMA DE LA OPERA"

Más cerca de la versión de Dario Argento que del
clásico en blanco y negro, se nos presenta esta
colorida y acaramelizada obra de Joel Schumacher.
Algunos la pueden considerar un "pastelazo"
insoportable por su duración y por sus excesos
visuales y operísticos pero creo que posee momentos de
una belleza visual y musical impagables.

A resaltar la acción en el cementerio, llena de poesía
becqueriana, de una vena romántica reflejada en el
hermoso paisaje y la preciosa música que acompañan la
escena. Igualmente arrebatadores los planos de las
catacumbas de la òpera y el intenso clímax final.

Las interpretaciones de los protagonistas son eficaces
pero destaca de entre todos el intenso Gerard Butler,
que aporta la tensión y el desgarro justos a su
personaje (el excluído fantasma). Logra tansmitir
fuerza e intensidad a su personaje desde el comienzo,
aunque acentúe esta fuerza en la hora final cuando el
fantasma desata sus más hondos deseos de venganza y
odio a una sociedad que lo ha excluído desde siempre
obligándole a vivir apartado del mundo exterior entre
los bastidores y las catacumbas de la Opéra Populaire.

Se notan algunos puntos flojos como la eficaz pero
sobreactuada interpretación de Minnie Driver
encarnando a la diva Carlotta, algunos diálogos flojos
en contenido y flashbacks irrelevantes.
Las voces prestadas a la versión en español son de
gran calidad pero también merecería la pena su
visionado en versión original y escuchar a los actores
en verdad.

Pero con todo, una obra barroca, con todos los excesos
esperados, cargada visual y musicalmente que atrae la
mirada de aquellos espectadores capaces de admirar las
historias de corazones y vidas rasgadas cantadas.Las
penas, mejor cantarlas que contarlas.Y es que,
lamentablemente, la historia de soledad y marginación
del fantasma es tan actual hoy en día que aquellos que
sepan adaptar la obra teatral a la actualidad ya deben
tener el vello de gallina.

"UN TOQUE DE CANELA"
Por Alfonso Pujol
Visualmente sobrecargada pero con momentos
verdaderamente inspirados, se nos presenta esta
pequeña obra greco-turca. Es interesante el retrato de
la família y la importancia que se le da a la comida,
hasta el punto de decidir un amor en base a ella
(curiosa la escena en que el tío del niño protagonista
se plantea la boda con su novia por la falta de gusto
culinario de ésta) y a las raíces turcas de lafamília, el intercambio cultural y emocional al que es
sometida.

La película destaca por su colorido y toda la parte
visual, eso sí, un tanto edulcorada con colores
otoñales muy chillones con los que el director intenta
dar un tono de sentimentalismo a un guión que por sí
solo ya es sentimental. La relación entre el pequeño
protagonista y su amiga está brillantemente retratada
en la época adulta de ambos con unos diálogos
eficaces, directos y nada artificiosos. Quizás se
desprenda algo de mimetismo en el actor principal pero
el buen hacer y la enigmática y cálida presencia de su
"amada turca" salvan este pequeño desliz. Encontramos
geniales momentos cómicos cuando se retrata a cada
miembro del clan familiar como la inolvidable abuelacon párkinson y momentos emotivos como el reencuentro con el abuelo y con la amiga amada, pero también momentos flojos en los que el ritmo decae a mitad del film.

Aún resultando en exceso edulcorada (visual y
musicalmente), no llega a empachar demasiado la receta
que el director ha preparado pues ha condimentado el
film con ciertos toques amargos mostrados en unos
diálogos acertados y directos, para evitar el empacho
generalizado entre el público. En fin, una película
curiosa, en su punto empalagosa y con unos cuantos
aciertos en el guión. Se deja ver con una ligera
sonrisa en la cara y un cierto dolor de estómago al
finalizar el visionado si no has acudido con el
estómago lleno a la sala.

"ANTES DEL ATARDECER"
Por Alfonso Pujol
IR A CRÍTICA DE ROCIO VALLADARES
Es estupendo ver films hablados como éste, films
donde el dialog
o es vital, en los que se da
importancia a cada palabra.

El hecho de que la pelicula transcurra en tiempo
real nos acerca a la pareja protagonista, a sus
sentimientos llegandonos a sentir como ellos,
llegando a hacernos pensar qué haríamos en su
situación. Nos transmite ese ansia porque la pareja zanje muchos temas antes de la inevitable despedida.
Por tanto, el tiempo es crucial en esta pelicula y el
no existir cortes en el mismo, ayuda a acercarnos a la
situación de los protagonistas.

La relacion entre ambos está inteligentemente
retratada, desde el sencillo y poco apasionado
reencuentro hasta la calidez que se va notando entre
la pareja a medida que avanza la película. Y lo mas
estimulante es el hecho de que no cae en tópicos, o
mejor dicho, no cae en la burda pedantería en la que
podía haber caído. Los diálogos son ingeniosos y a
la vez naturales, nada de artificios, nada de
tecnicismos, solamente claridad. Son diálogos
ágiles,estimulantes.

Aunque pudiera parecer un film de un monotema, el
amor a primera vista, esconde tras de sí, en cada
endiablado diálogo miles de temas, miles de
pensamientos que hacen pensar al espectador creando
con el mismo una complicidad increíble. Temas como
la infelicidad, el valor del tiempo, la importancia
de las palabras, aparecen escondidos en el film pero
que quedan grabados en la memoria del personal.

En cuanto a las interpretaciones, naturales, se nota
que los actores estan cómodos con sus personajes,
saben de lo que hablan (en el caso de Delpy, el
hecho de ser cantante le ayuda), transmiten mucho
con cada palabra, pero tambien con cada gesto, y eso
es muy importante en una pelicula de sentimientos,
donde lo primordial es mostrar sentimientos,
sentimientos entre dos personas y cómo se van
complementando.

Lo más impactante es el final de la pelicula,
totalmente alejado del tópico de film romántico,
abierto para unos y no tan abierto para otros,
inquietante quizás, pero igualmente bonito.

Altamente recomendable para esos soñadores de
encuentros fantásticos y despedidas dolorosas, que
les guste seguir con atención díálogos, que
disfruten y sepan aprovechar el dialogar de las otras
personas. Y no, no pasa nada si antes no has visto la
primera parte. Eso sí, saldras de la sala con unas
ganas tremendas de verla.

"OLVIDATE DE MI"
Por Alfonso Pujol
Ver opinión de Oscar Alemany
Si "Cómo ser John Malkovich" me sorprendió, este nuevo guión lo ha hecho aún más. Pero ya no es solamente el tema, el guión está tratado de una forma genial. Pero un consejo, la película es algo compleja y es aconsejable verla dos veces como hice yo. Mucha gente salía del cine desencantada pues esperaban ver al Carrey de la Mascara. Y otros salían enfadados pues se habían quedado durmiendo al ser incapaces de por lo menos intentar comprender el film. Y es que estamos muy mal acostumbrados al ir al cine siempre buscando evadirnos y que nos metan imágenes por los ojos sin darnos mucho en qué pensar. Es cierto que el cine es entretenimiento pero no viene mal de vez en cuando visionar una película que te haga pensar y a la vez sumamente entretenida como lo es ésta.

Los personajes son del todo atractivos y darían mucho juego en una película de duración desmesurada pero claro, una película tiene un limite de duración y uno se queda con las ganas de saber mas sobre los personajes por el atractivo de los mismos, como ocurría en "Como ser..." con el genial Cusack y Cameron Díaz, personajes excéntricos y perdedores.
Opino que Winslet supera con creces a Carrey en cuanto a interpretación, por lo menos al comienzo y al final de la película.

Y lo que mas me ha sorprendido es la cantidad de diálogos interesantes y vivos que posee el film. Atentos al diálogo final entre Carrey y Winslet donde son conscientes de todo en medio de una jungla mental impresionante y la cordura con que tratan el tema teniendo en cuenta lo enfermizo de sus mentes.

Pero ante todo, lo dicho, quién vea esta película dos veces, en el segundo visionado disfrutará el doble o el triple que la primera vez pues en el segundo visionado hallará detalles que antes son imperceptibles para la mayoría de los humanos. Y es que la película esta tan llena de matices, de temas..que dan para mucho, para mucho hablar y conversar luego con tu acompañante. Y hablar de este modo es del todo reconfortante.

"QUIEREME SI TE ATREVES"
Por Alfonso Pujol

Cuando comienza el film las inmediatas comparaciones
con "Amelie" son irremediables, pero de ésta solo toma
el tono de fantasia y de mundo minimalista que la
hicieron tan famosa pues "quiéreme si te atreves"
arriesga mucho mas. Tras una trama tan simplona como
la de un tonto juego de niños, como muy bien lo
definen los protagonistas de la cinta en la propia
peli, se esconde toda una descarga de sentimientos y
relaciones humanas.

El juego del sí soy capaz o no soy capaz llevado a la
etapa adulta de los personajes es genial, tambien en
la etapa infantil, pero ver a los dos enamorados ya
crecidos y tomandose tan en serio el estupido juego te
hace pensar en que en realidad la vida es un juego y a
veces hay que arriesgar. Los protagonistas son en el
fondo unos psicópatas del amor, unos incorformistas
natos. Ambos se quieren, se desean pero intentan
escapar de la realidad con su enfermizo juego y
fallan, pues la realidad siempre les devuelve la
patada. Pero lo mejor de la pelicula es cuando crees
que ya todo es normal, que por fin han asentado la
cabeza y sin más vuelven a las andadas, movidos por
ese instinto infantil y ese deseo que les une, que les
unirá para siempre.

Por tanto, una pelicula de relaciones enfermizas, de
juegos infantiles diabólicos, colorista y con unos
diálogos punzantes, que no sería genial si no fuera
por las interpretaciones que contiene, estupendas,
creíbles y muy muy divertidas. Yo, sinceramente pase
un rato agradable. Es como ver una peli de accion con
efectos especiales y con unos diálogos e
interpretaciones geniales. Vamos, que disfruté como un
niño, y nunca mejor dicho.

"YOUNG ADAMS"
Por Alfonso Pujol

El ambiente desalentador y triste de los muelles de
Glasgow es propicio para esta historia tambien
desalentadora y triste. La necesidad vital del
contacto entre pieles humanas se hace aquí presente,
pero mas que contacto humano es deseo, puro deseo,
anhelo de lo imposible, anhelo de aquellas pieles
prohibidas, pecaminosas. Y todo ello lo refleja
perfectamente el rostro y los ojos de un Ewan Mcgregor
estupendo, pero, eso sí, sin llegar a superar las
interpretaciones femeninas del film, todas
insuperables.

Si hay algo que una a todos los personajes de la cinta
es su poder de transmisión. A través de las miradas y
los roces comienza el calentamiento, el juego que
siempre acaba en un sexo guarro, animal.
Los diálogos, que no se quedan ni cortos ni largos en
esta pelicula, sobran cuando los actores son capaces
de expresar tanto a través de sus cuerpos. Y uno
simplemente ha de sentarse y disfrutar de ese juego de
miradas, de esos flash backs misteriosos y de un
conjunto de escenas perfectas en las que llama la
atención la contraposición entre el frio ambiente
exterior que nos muestra el director con el ardiente
deseo de los personajes. Y así transcurre la horas de
metraje, entre imágenes que te hielan el alma e
imágenes que desetan los más ardientes instintos.

Destaco:
- La relación entre el protagonista y la fallecida.
- La escena en que el joven adams y su amante son
pillados por el marido de ésta.
- La naturalidad de los diálogos en algunas escenas.
- La capacidad de transmisión de los actores.

"WILBUR SE QUIERE SUICIDAR"
Por Alfonso Pujol
La pelicula se ve sin mas, te entra por los ojos y es muy muy bonita pero le
falta pretensiones.
El reparto de actores es estupendo pero el film se queda vacío en cuanto al
contenido, a los sentimientos de cada personaje. Posee escenas chocantes que
te hacen pasar un buen rato pero la pelicula en sí no tiene mucho sentido.
Digamos que es original en algunas cosas y en otras no aporta nada nuevo al
cine de autor actual. Es colorista y bonita pero sin mas pretensiones, se ve y ya está ya que la directora no nos permite ahondar mas a fondo en la
pelicula y es una pena pues los personajes y la trama hubieran dado para
mucho y muy interesante.

Lo mejor:
- El ambiente: una antigua libreria de compraventa de libros sacada de un
cuento de hadas.
- Las rarezas de cada uno de los personajes, realmente originales.
- Alguna buena frase.
Lo peor:
- La falta de profundidad en los personajes, en sus sentimientos, en el
transfondo de sus actos. Se les podia haber sacado mas partido.
- Ciertas escenas fuera de lugar que no aportan nada a la trama.

"THE MOTHER"
Por Alfonso Pujol
¿Que hacer cuando uno se encuentra encerrado en un cuerpo que no refleja la
edad que tienes? Tu marido ha muerto, piensas que tu vida aun tiene sentido
y comienzas a sentir cosas que antes no sentias. Pero si esas cosas las
sientes hacia el amante de tu hija y vas mas alla de simples pensamientos
pecaminosos, entonces no vayas a ver esta pelicula pues su desalentador
final puede desconcertarte fuertemente. El film refleja un alarde de
sensaciones y cuando digo sensaciones hago referencia a los cinco sentidos
pues esta pelicula hay que verla con los cinco sentidos a flor de piel pues
es una pelicula que se "siente", puedes sentir cada roce de piel, cada dolor
de corazon ante una fuerte discusion, en fin, los pensamientos mas profundos
de cada personaje pueden sentirse, y muy hondamente. Cada gesto de la
"madre" es como una patada en el estomago a los mas puristas, cada uno de
sus gestos refleja el ansia de vivir, de experimentar, de experimentar
aunque uno ya est´´e en las ultimas y eso es lo bonito del mensaje. El
trabajo de los actores es descomunal, el de todos ellos sin excepcion. Y
aunque a ratos los dialogos dejan un tanto que desear, luego llegan otros
tan buenos que llenan los vacios que han dejado los anteriores.
Cada uno puedo captar el mensaje de la pelicula de varios modos, pues creo
que en realidad hay muchos mensajes. Unos espectadores pueden pensar que el
film invita a vivir, otros que a comedirse de sus actos evitando un mal
enfermizo aguantando la rabia por dentro y otros que no saben lo que han
visto y no quieren calentarse mucho la cabeza. Quizas la pelicula pueda caer
en el mas añejo morbo pero el director maquilla de tal modo las escenas que
puedieran ser morbosas de haber sido tratadas de otro modo, que torna el
morbo en sentimientos, sentimientos puros y duros y eso para mi es toda una
hazaña. Esto aparece reflejado en una de las escenas mas impactantes del
film donde la protagonista le pregunta a su amante qu´´e es lo que ve en
ella, en un saco de carnes fofas y arrugadas. Y es en esta escena donde la
complicidad de los actores, el buen hacer del director y el morbo disfrazado
de sentimientos se conjugan creando una escena hermosa donde las haya donde
no hay nada mas que amor, ganas de vivir, donde se respira en cada fotograma
el halo del riesgo, del disfrute, del placer a cualquier precio.
Claro que tras esta descripcion tan bella del film, resalto las palabras de
mi amigo cuando acabo la peli: "puro morbo". Depende de las retinas con que
se mire.

"La mala educación"
Por Alfonso Pujol
 Colores: Rojo asesino, negro religioso, blanco piel. Son los colores que se
quedan grabados en la retina del espectador mas sensitivo. Colores que
resaltan en una narracion suspicaz e inteligente donde nada es lo que parece
y donde los dobles personajes se adueñan de la historia mostrando dobles
caras, a cual mas interesante y enigmatica. Una pelicula de "hombres" que
retrata la crudeza del amor imposible, del odio contenido, de sueños
inalcanzables, del ansia de poder. Quizas todo ello se refleje en el
personaje de Garcia Bernal pero tambien en el de Camara y en el de Fele
Martinez (ojos penetrantes que transmiten crudeza, transaparencia, amor y
dolor al unisono).
Todo ello se resume en la mirada lacrimosa del sacerdote ante su mas
preciado y prohibido tesoro.
¿ajuste de cuentas de Almodovar? ¿autobiografica? simplemente, la pelicula
que rodaba en la mente de Pedro y en la de todos nosotros desde hace tiempo.

"Monster"
Por Alfonso Pujol
Esta película tiene cierto toque de cine de sobremesa al comienzo. Pero
conforme va avanzando, te das cuenta de ante qué tipo de film te estás
enfrentando. Posee demasiados temas ocultos, demasiados asuntos espinosos,
tabús que nos taladran la mente día a día y que no son más que fruto de
nuestros prejuicios vilmente aprendidos para parecerse a un simple telefilm.
Ahí está la dulce sonrisa de Ricci y sus ansias de cambio, de un poco de
amor, que contrasta totalmente con la rabia mostrada por Theron, aunque ésta también necesite amor, pero es distinto, es un amor que nace de una vida
desquiciada y sin rumbo, sin solución, cuyo final trágico se intuye desde el
comienzo del metraje (para aquellos que fuesen a ver la pelicula sin saber
que estaba basada en hechos reales). Theron está increíble, sublime. Pero
Ricci aún más. En mi retina quedará grabado ese baile en la pista de
patinaje, esos dulces momentos antes del delirio y la locura. Al igual que
esa escena final, donde Ricci tiene la valentía de mirar a los ojos de su
amada, condenándola a aquello que ella siempre ha esperado, demostrando que
la razón puede con los impulsos, incluso cuando hay sangre de por medio. En
fin, un relato, o una historia para pensar y madurar, sin más pretensiones.